Warum das Schauspielhaus Zürich regelmässig Skandale und Debatten auslöst

Wer kennt es nicht, das Gefühl, nach einem Abend im Schauspielhaus Zürich ratlos, vielleicht sogar verärgert den Saal zu verlassen? Die Inszenierung hatte mit der erwarteten Vorlage kaum noch etwas zu tun, die Schauspieler schrien mehr als sie sprachen und die eigentliche Botschaft blieb im Nebel einer exzentrischen Bühnenästhetik verborgen. In den letzten Jahren haben sich diese Erfahrungen gehäuft und in öffentlichen Debatten über „Wokeness“, sinkende Zuschauerzahlen und die künstlerische Leitung von Nicolas Stemann und Benjamin von Blomberg entladen. Der Vorwurf ist oft derselbe: Das Theater habe seinen Bildungsauftrag vergessen und diene nur noch der Selbstverwirklichung einer kleinen, abgehobenen Elite.

Diese Kritik, so verständlich sie im ersten Moment scheint, greift jedoch zu kurz. Sie basiert auf einem fundamentalen Missverständnis darüber, was die Aufgabe eines prominenten, mit öffentlichen Geldern geförderten Theaters im 21. Jahrhundert ist. Was, wenn die wiederkehrenden Skandale und hitzigen Debatten kein Betriebsunfall, kein Zeichen des Versagens sind, sondern im Gegenteil der Beweis, dass das Haus seine Mission erfüllt? Die wahre Provokation liegt vielleicht nicht auf der Bühne, sondern in der Zumutung, Theater nicht als Ort der Bestätigung, sondern als gesellschaftliches Labor zu begreifen – ein Ort für produktive Reibung und die Verhandlung von Widersprüchen.

Dieser Artikel schlägt eine neue Perspektive vor: Anstatt die Kontroversen zu beklagen, werden wir sie als Symptome eines lebendigen Kulturorganismus analysieren. Wir werden untersuchen, wie modernes Theater funktioniert, warum es subventioniert wird, um zu stören, und wie Sie als kritischer Zuschauer lernen können, die Reibung nicht nur auszuhalten, sondern als wertvollen Teil des Erlebnisses zu geniessen. Es ist eine Einladung, die Rolle des Theaters und die eigene Rolle als Publikum neu zu denken.

Um diese komplexe Beziehung zwischen Bühne und Gesellschaft zu entwirren, beleuchten wir verschiedene Facetten des Zürcher Theaterlebens. Von den Grundlagen des Regietheaters bis hin zu den unausgesprochenen Codes des Publikums – dieser Leitfaden bietet die Werkzeuge, um die Debatten nicht nur zu verstehen, sondern aktiv an ihnen teilzunehmen.

Wie Sie Regietheater geniessen, auch wenn Sie das Stück nicht wiedererkennen?

Der Kern vieler Kontroversen liegt in einem Begriff: dem Regietheater. Historisch gesehen begann es als Versuch, klassische Werke von ideologischer Last zu befreien, wie es Wieland Wagner mit den Opern seines Grossvaters tat. Er reduzierte die Inszenierungen auf minimalistische, symbolische Bilder. Heute bedeutet Regietheater, dass der Regisseur nicht mehr als „Diener“ des Textes agiert, sondern als gleichberechtigter Künstler, der dem Stück eine eigene, oft sehr persönliche Lesart überstülpt. Das Stück wird zum Steinbruch, aus dem Material für eine neue Aussage gewonnen wird. Der Schock, „seinen“ Hamlet oder „seine“ Medea nicht wiederzuerkennen, ist dabei Programm.

Der Schlüssel zum Genuss liegt darin, die eigene Erwartungshaltung zu ändern. Sehen Sie die Inszenierung nicht als Nacherzählung, sondern als Deutungsangebot. Die Frage ist nicht: „Ist das noch Shakespeare?“, sondern: „Was will mir der Regisseur *heute* mit den Mitteln Shakespeares sagen?“. Es geht um die Resonanz zwischen dem alten Text und der modernen Welt. Während andere Häuser wie die Zürcher Oper oder die Theater in Bern und Basel mit klassischeren Ansätzen eine Auslastung von 91-96% erreichen, ist die Aufgabe von experimentelleren Bühnen nicht primär das Füllen von Sitzen, sondern das Anstossen von Gedanken. Der leere Stuhl neben Ihnen ist vielleicht der Preis für den provokanten Gedanken, den Sie mit nach Hause nehmen.

Akzeptieren Sie, dass Sie nicht alles verstehen müssen. Theater ist keine Mathematikaufgabe, die am Ende aufgeht. Es ist ein sinnliches und intellektuelles Erlebnis, das nachwirken darf und soll. Oft erschliesst sich die Tiefe einer Inszenierung erst in der Diskussion danach oder in der Reflexion am nächsten Tag. Geben Sie dem Abend eine Chance, in Ihnen zu arbeiten.

Wo finden Sie die experimentellsten Stücke der Schweiz?

Das Experiment findet nicht nur auf den grossen, etablierten Bühnen statt. Tatsächlich sind die wagemutigsten und innovativsten Formate oft in der sogenannten „freien Szene“ zu finden. Hier arbeiten Kollektive und Künstler ohne den Apparat eines städtischen Theaters, oft mit Projektförderung und viel Eigeninitiative. Diese Unabhängigkeit ermöglicht eine radikalere Auseinandersetzung mit neuen Formen, wie zum Beispiel dem dokumentarischen oder dem partizipativen Theater.

Ein herausragendes Beispiel hierfür ist die Zürcher Theatergruppe SinnSpiel. Sie wurde 2014 gegründet und widmet sich dem dokumentarischen Theater, wobei sie stets nach alternativen Bühnensituationen sucht. In einer ihrer interaktiven Theaterdokus, die auf Interviews aus der Schweiz und Kenia basiert, wird die klassische Trennung zwischen Zuschauern und Darstellern aufgelöst. Das Publikum wird Teil des Spiels und erfährt die komplexen Rollenverteilungen am eigenen Leib. Solche Formate fordern eine aktive Teilnahme und verwandeln den Theaterbesuch in eine unmittelbare Erfahrung, die weit über das reine Zuschauen hinausgeht.

Diese freien Spielstätten sind oft in umgenutzten Industriehallen, Kellern oder sogar im öffentlichen Raum angesiedelt und bieten eine intimere, direktere Atmosphäre. Orte wie die Gessnerallee in Zürich, das Théâtre de l’Usine in Genf oder die Kaserne in Basel sind Hotspots für diese Art von Theater. Hier wird die Zukunft der darstellenden Künste erprobt. Wer also wirklich an der vordersten Front der theatralen Entwicklung dabei sein will, sollte den Blick bewusst von den grossen Häusern abwenden und die Programme der freien Szene erkunden.

Wie dieses Bild einer umgebauten Fabrikhalle zeigt, definiert sich der experimentelle Raum oft durch seine Offenheit. Die Leere ist kein Mangel, sondern eine Einladung zur Transformation, ein Potentialraum, in dem jede Art von theatralischer Begegnung möglich wird. Es ist die physische Manifestation des Wunsches, die Grenzen des Theaters ständig neu auszuloten.

Warum werden Subventionen gezahlt für Stücke, die kaum jemand sieht?

Dies ist die Gretchenfrage jeder Theaterdebatte und der Punkt, an dem die Emotionen hochkochen. Wenn ein Stück nur wenige Zuschauer anzieht, aber stark subventioniert wird, scheint das Geld verschwendet. Das Schauspielhaus Zürich hatte beispielsweise 2022 eine Subventionsquote von etwa 80%. Das bedeutet, dass der grösste Teil des Budgets aus öffentlichen Geldern stammt. Warum leistet sich eine Gesellschaft diesen Luxus?

Die Antwort ist unbequem, aber zentral: Subventionen werden nicht gezahlt, *obwohl* die Stücke anecken, sondern *damit* sie es tun. Ein rein kommerziell ausgerichtetes Theater muss gefallen. Es muss auf den Massengeschmack zielen, um zu überleben. Es würde niemals ein Risiko eingehen, sein Publikum zu verprellen. Das Ergebnis wäre ein Theater der ständigen Wiederholung, des sicheren Werts, des reinen Amüsements. Es wäre kultureller Stillstand. Die öffentliche Förderung befreit das Theater von diesem kommerziellen Druck. Sie gibt ihm die Freiheit, auch unpopuläre, sperrige und unbequeme Themen anzupacken. Es ist ein kultureller Forschungsfonds, der in die Auseinandersetzung mit der Gegenwart investiert.

Das Theater wird so zu einem Schutzraum, in dem gesellschaftliche Konflikte, Minderheitenpositionen und Zukunftsvisionen verhandelt werden können, ohne sofort auf ihre Rentabilität geprüft zu werden. Es ist ein Ort der „produktiven Reibung“. Die Zürcher Stadtpräsidentin Corine Mauch brachte diesen Gedanken auf den Punkt, als sie die Debatten um das Schauspielhaus kommentierte:

Man darf das Ziel nicht vergessen: eine Gesellschaft ohne Diskriminierung, in der es beispielsweise keine Rolle mehr spielt, welches Geschlecht man hat oder woher man kommt. Dieses Ziel erreichen wir nicht ohne Reibung.

– Corine Mauch, Stadtpräsidentin Zürich im Tages-Anzeiger

Die Subvention ist also der Preis für diese Reibung. Sie ist die Investition in die Fähigkeit einer Gesellschaft, sich selbst kritisch zu befragen. Ein leerer Stuhl ist dabei weniger ein Zeichen des Scheiterns als vielmehr ein Kollateralschaden im Dienst einer grösseren Sache: der Aufrechterhaltung eines lebendigen gesellschaftlichen Diskurses.

Wie hart ist der Weg an die Zürcher Hochschule der Künste wirklich?

Hinter jeder provokanten Inszenierung stehen Künstler, die einen langen und fordernden Ausbildungsweg hinter sich haben. Die Zürcher Hochschule der Künste (ZHdK) ist eine der renommiertesten Adressen im deutschsprachigen Raum, doch der Weg dorthin und in die professionelle Szene ist steinig. Die Aufnahmeprüfungen sind extrem selektiv, und nur ein Bruchteil der Bewerber erhält einen der begehrten Studienplätze. Dies erzeugt einen enormen Druck und erfordert von den jungen Menschen nicht nur Talent, sondern auch eine ausserordentliche psychische Belastbarkeit.

Das Studium selbst ist geprägt von intensiver Arbeit an Körper, Stimme und emotionaler Ausdrucksfähigkeit. Es geht nicht nur um das Erlernen von Handwerk, sondern um die Entwicklung einer eigenen künstlerischen Persönlichkeit. Die Studierenden werden permanent herausgefordert, ihre eigenen Grenzen zu überschreiten, sich verletzlich zu machen und im Kollektiv zu arbeiten. Dieser Prozess ist oft schmerzhaft und erfordert ein hohes Mass an Selbstreflexion und Disziplin.

Doch der Weg führt nicht immer geradlinig über eine einzige Institution. Viele Künstler finden ihren Weg über Umwege und internationale Erfahrungen. Die Karriere von Eva Mann, Mitbegründerin der bereits erwähnten Gruppe SinnSpiel, ist dafür beispielhaft. Nach einem geisteswissenschaftlichen Studium in Basel und Tübingen absolvierte sie ihre Regieausbildung an der renommierten East 15 Acting School in London und der GITIS in Moskau. Erst diese internationale Perspektive ermöglichte ihr, in der Schweizer freien Szene mit einem einzigartigen Profil Fuss zu fassen. Dies zeigt, dass die künstlerische Entwicklung ein globaler Prozess ist und die Schweizer Theaterszene stark von diesen vielfältigen Einflüssen profitiert.

Die Härte des Weges ist also nicht nur eine Frage des Bestehens von Prüfungen, sondern auch des Muts, einen eigenen, oft unkonventionellen Pfad zu finden. Es ist diese Ausdauer und dieser Drang zur ständigen Weiterentwicklung, die später auf der Bühne in kraftvolle und herausfordernde Kunst münden.

Lohnt es sich, nach dem Stück zur Diskussion zu bleiben?

Absolut. Man könnte sogar argumentieren, dass die Publikumsdiskussion nach einer Vorstellung der zweite, oft wichtigere Akt des Abends ist. Gerade wenn eine Inszenierung Fragen aufwirft, provoziert oder verwirrt, ist das Gesprächsangebot danach keine Nebensache, sondern ein zentraler Bestandteil des kulturellen Aushandlungsprozesses. Hier verwandelt sich der passive Zuschauer in einen aktiven Teilnehmer. Es ist die Chance, die eigene Wahrnehmung zu schärfen, die Intentionen der Macher zu hinterfragen und im Austausch mit anderen neue Perspektiven zu gewinnen.

Zu oft verharren solche Diskussionen jedoch in der simplen Frage: „Was sollte das alles bedeuten?“ oder in einer pauschalen Ablehnung. Um diese Gespräche produktiver zu gestalten, braucht es eine bewusste Haltung. Es geht nicht darum, eine „richtige“ Interpretation zu finden, sondern den Denkraum, den das Stück geöffnet hat, gemeinsam zu erkunden. Das Theater wird hier explizit zu dem, was es im Kern sein sollte: ein Ort der gesellschaftlichen Selbstverständigung. Die Kluft zwischen dem, was die Künstler beabsichtigten, und dem, was beim Publikum ankam, ist dabei der spannendste Bereich für eine Analyse.

Die Teilnahme an diesen Diskussionen erfordert Mut – den Mut, die eigene Ratlosigkeit zuzugeben, die eigene Meinung zu formulieren und sich auf die Argumente anderer einzulassen. Doch der Lohn ist gross: Man verlässt das Theater nicht nur mit einem Gefühl, sondern mit geschärften Gedanken und einem tieferen Verständnis für die Komplexität des Themas und der künstlerischen Form. Die folgende Checkliste kann helfen, den nächsten Theaterdialog konstruktiver zu gestalten.

Opernhaus oder Open-Air: Was zieht man wo an, um nicht aufzufallen?

Die Frage nach dem richtigen Dresscode im Theater scheint auf den ersten Blick trivial, berührt aber eine tiefe soziale Unsicherheit. Die Angst, „underdressed“ oder „overdressed“ zu sein, ist die Angst, als nicht zugehörig entlarvt zu werden. Früher waren die Regeln klar: In die Oper ging man in Abendgarderobe, ins Schauspiel in gepflegter Tageskleidung. Doch diese starren Codes haben sich in den letzten Jahrzehnten stark aufgelöst.

Gerade in einer Stadt wie Zürich ist die Idee eines einheitlichen Dresscodes überholt. Es ist eine Metropole, in der laut offiziellen Statistiken Menschen aus rund 170 Nationen leben und ein signifikanter Teil die englische Sprache als Hauptsprache nutzt. Diese kulturelle Vielfalt spiegelt sich auch im Publikum wider. Der Banker in Anzug und Krawatte sitzt neben der Studentin in Jeans und T-Shirt, die wiederum neben der Touristin im praktischen Outdoor-Look Platz nimmt. Diese Heterogenität ist kein Stilbruch, sondern die soziale Realität.

Der moderne Dresscode lautet daher: Authentizität und Anlassbewusstsein. Für eine glanzvolle Opernpremiere darf man sich durchaus in Schale werfen und den Abend zelebrieren. Für ein experimentelles Stück in einer Off-Location ist ein legerer, bequemer Stil passender. Der wichtigste Grundsatz ist, sich wohlzufühlen. Ihre Kleidung sollte Ihnen erlauben, sich auf das Stück zu konzentrieren, und nicht zu einer Quelle der Ablenkung oder des Unbehagens werden. Die Zeiten, in denen man für einen missbilligenden Blick der Sitznachbarin aus dem Theater geworfen wurde, sind definitiv vorbei. Die grösste Auffälligkeit wäre heute wohl der Versuch, sich krampfhaft an eine vermeintliche Norm zu halten, die es so nicht mehr gibt.

Jodeln vs. Slam Poetry: Wie sich die Schweizer Ausdruckskultur hybridisiert?

Die Vorstellung einer reinen, unverfälschten Schweizer Kultur ist eine Fiktion. Kultur war schon immer ein Prozess des Austauschs, der Vermischung und der Neukombination. In der heutigen globalisierten Welt beschleunigt sich dieser Prozess jedoch rasant und bringt faszinierende hybride Ausdrucksformen hervor. Auf den Bühnen manifestiert sich dies in der bewussten Vermischung von Genres, Stilen und kulturellen Referenzen, die traditionelle Grenzen sprengen.

Ein brillantes Beispiel für diese Hybridisierung lieferte die Künstlerin Wu Tsang während ihrer Zeit am Schauspielhaus Zürich. Sie ignorierte konsequent die Trennung zwischen den Künsten. Für ihre Inszenierung von „Moby Dick“ drehte sie einen Stummfilm, der live von Streichern des Zürcher Kammerorchesters begleitet wurde – eine Fusion aus Kino, klassischer Musik und Theater. Ihr „Pinocchio“ war kein klassisches Weihnachtsmärchen, sondern eine genre- und genderfluide Performance, die alte Narrative für eine neue Generation öffnete. Diese Arbeiten sind keine respektlosen Aneignungen, sondern intelligente Dialoge zwischen Tradition und Moderne.

Diese Fusion von Altem und Neuem, von Lokalem und Globalem, ist kein exklusives Phänomen der Hochkultur. Sie findet sich überall: im modernen Jodel, der mit elektronischen Beats unterlegt wird, in der Slam Poetry, die Dialekt mit urbanem Slang mischt, oder in der Mode, die traditionelle Stickmuster auf futuristische Stoffe druckt. Die Bühne agiert hier als Brennglas, das diese gesellschaftlichen Entwicklungen sichtbar macht und reflektiert. Sie zeigt, dass Identität heute nicht mehr statisch ist, sondern ein fliessender Prozess der kreativen Zusammensetzung. Die spannendste Kultur entsteht genau an diesen Schnittstellen.

Welche 5 Kultur-Events dürfen Sie nicht verpassen, um gesellschaftlich mitreden zu können?

In einer Kulturlandschaft, die so dicht ist wie die der Schweiz, ist die Angst, etwas Wichtiges zu verpassen, allgegenwärtig. Listen von „Must-See“-Events versprechen Orientierung, greifen aber oft zu kurz. Denn um gesellschaftlich mitreden zu können, geht es weniger darum, eine bestimmte Checkliste abzuarbeiten, als vielmehr darum, die zentralen Orte der kulturellen Verhandlung zu kennen. Und in Zürich ist einer dieser Orte unbestreitbar das Schauspielhaus.

Mit rund 20 Neuinszenierungen pro Saison ist es nicht nur ein Produktionshaus, sondern der wichtigste Motor für den Theaterdiskurs in der Stadt und darüber hinaus. Hier werden die Themen gesetzt, die später in den Feuilletons und an den Stammtischen diskutiert werden. Das „wichtigste“ Event ist also nicht eine einzelne Premiere. Das wichtigste Event ist die permanente Debatte, die das Haus selbst darstellt. Mitzureden bedeutet, sich eine Meinung zu diesem kulturellen Epizentrum zu bilden – sei sie zustimmend, kritisch oder differenziert.

Anstatt also fünf spezifische Events zu nennen, lautet die Empfehlung: Engagieren Sie sich mit dem Programm des Schauspielhauses als Ganzes. Suchen Sie sich eine Inszenierung aus, die Sie reizt oder abschreckt. Besuchen Sie ein Stück der freien Szene, um einen Kontrapunkt zu haben. Gehen Sie zu einer Publikumsdiskussion. Lesen Sie die Kritiken. Das Ziel ist nicht, alles zu sehen, sondern die Mechanismen und Streitfragen zu verstehen, die die Kulturlandschaft prägen. Der informierte Dissens ist für den gesellschaftlichen Diskurs wertvoller als die passive Zustimmung.

Der wahre Wert des Theaters liegt nicht in der gefälligen Unterhaltung, sondern in seiner Fähigkeit, uns aus der Komfortzone zu locken und zum Denken zu zwingen. Indem Sie lernen, die Provokation als Einladung und den Streit als produktiven Prozess zu sehen, werden Sie nicht nur zu einem besseren Zuschauer, sondern zu einem aktiveren Gestalter des kulturellen Lebens.